17 mayo 2018

100 años de Birgit Nilsson

Birgit Nilsson, 1959. Foto: Fayer, Viena.
Una de las voces mas increíbles del siglo XX fue sin duda la gran soprano sueca Birgit Nilsson. Aunque muy pequeña de estatura, la voz de esta cantante venida de latitudes escandinavas llenaba los teatros con un chorro de poder, especialmente en los roles de Wagner y Strauss. Si bien en su carrera combinó roles de Mozart, Beethoven, Verdi, junto a los drámaticos de Strauss y Wagner, así como lieder de Mahler, Wolff, Brahms, y hasta temas de musicales, la gran dama de la ópera de mitad del siglo XX nos dejó extraordinarias grabaciones, como Isolda en la ópera de Wagner, como la valkiria Brunilda en la apoteósica tetralogía wagneriana y como Salome y Elektra, los dos grandes roles de la literatura straussiana.
Escuchemos y veamos algunas de sus grandes interpretaciones, que por suerte existen por montones no solo en grabaciones en vivo y de estudio, sino también en video.







14 mayo 2018

Lara St. John vuelve a Lima

Se presentará junto al pianista Matt Herskowitz en la Temporada de abono de la Sociedad Filarmónica de Lima, este martes 15 a las 7:45 pm. en el Auditorio Santa Úrsula.
(Difusión) Lara St. John ha sido solista de importantes orquestas de América del Norte, desde las sinfónicas de Cleveland, San Francisco Filadelfia, Minnesota, Seattle, Brooklyn, Miami y Boston Pops a las Sinfónicas de Toronto, Montreal y  Vancouver. En Europa ha sido solista de orquestas de gran prestigio como la Royal Philharmonic Orchestra, NDR Hanover, la Orquesta de Cámara de Zúrich, el Ensamble Orquestal de París, la Sinfónica de Bournemouth, la Orquesta de Úlster, la Camerata Irlanda, la Filarmónica de Belgrado, la Sinfónica de Ámsterdam, la Sinfónica de Norrköppings, la Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta de la Región de Murcia, y la Orquesta de Cámara de Atbank en Turquía y Orquesta de la RAI en Torino. En América Latina, sus actuaciones incluyen conciertos con la Orquesta Joven Simón Bolívar, la Orquesta Sinfónica de Sao Paolo, la Orquesta Sinfónica Brasileira, el SODRE en Montevideo y  con la Sinfonietta de la Sociedad Filarmónica de Lima. Recientemente ha tocado con la Orquesta Sinfónica Nacional en México, la Sinfónica de Quito, la Filarmónica de Minas Gerais y en 2018 hace su debut en Argentina  tocando  con la Orquesta Sinfónica Nacional en Buenos Aires.
Recientemente regresó a Asia para tocar con la Sinfónica de Kioto. También ha tocado con la Filarmónica de Hong Kong, la Sinfónica de Tokio, la Orquesta Sinfónica Yomiuri Nippón,  la Sinfónica de Guangzhou y la Sinfónica de Shanghai. En Australia, ha tocado con la Orquesta Sinfónica de Queensland, la Orquesta Sinfónica de Adelaida, la Orquesta de Cámara 2 de Australia y la Filarmónica de Oakland.
Ha ofrecido recitales en salas principales en Nueva York, San Francisco, Ravinia, Washington DC, Praga, Berlín, Toronto, Montreal, Tokio y en la Ciudad Prohibida de Beijing.
En una crítica aparecida en Los Ángeles Times se dijo: “Lara St. John es una violinista volcánica con un tono enorme y fabuloso que brota como lava fundida. Tiene técnica para quemar y toca con un constante y abrasador nivel”.  En 1999, Lara St. John fundó su propio sello discográfico denominado Ancagalon. Ha grabado también para Sony Classical.
Lara comenzó a tocar el violín cuando tenía dos años de edad. Hizo su primera gira por Europa a los 10 años de edad. Entre sus profesores se destacan Felix Galimir y Joey Corpus.
Combinando una virtuosa técnica de instrumentista clásico con el jazz, world music y la improvisación libre, el pianista y arreglista Matt Herskowitz se ha tallado una única y propia voz dentro de la música.  En la última década, Herskowitz ha producido una serie de grabaciones que han sido aclamadas por la crítica, ha estrenado sus composiciones en sitios tan diversos que van desde Central Park en Nueva York a la Köln Philharmonie en Alemania, ha colaborado con músicos de primera línea del mundo de la música clásica, el jazz, y pop y ha actuado en importantes festivales a nivel mundial. Su última grabación, para el sello Justin Time Records, se titula Upstairs, un disco como solista que va de Gershwin a Schumann y de Dave Brubeck a composiciones originales del mismo Herskowitz, que incluyen temas como Bella’s Lament y Bach à la Jazz. Este último es un arreglo del Preludio en do menor de Bach y formó parte de la banda sonora de la película animada Las mellizas de Belleville, nominada al premio Grammy.
Su álbum de world music Jerusalem Trilogy ha sido nominado a los Premios Juno, y reúne composiciones originales y arreglos del pianista en la línea del jazz contemporáneo y estilos clásicos, logrando una original fusión con grooves árabes y judíos.
El diario Le Devoir escribió sobre el pianista: “Herskowitz despliega su arte con increíble precisión, sin sacrificar musicalidad. Con excepcional técnica, sentido preciso de los matices, Herskowitz aquí fusiona su maestría entre el jazz y lo clásico”. 
Graduado de la Juilliard School de Nueva York y del Curtis Institute of Music de Filadelfia, Herskowitz es originario de Albany, Nueva York, y ha hecho de Montreal su hogar adoptivo desde 1999.
 Entradas a la venta en Teleticket.
Programa

LUDWIG VAN BEETHOVEN
Sonata para violín y piano Nº 8, en sol mayor, op. 30 Nº 3 
MAURICE RAVEL
Sonata Nº 2 para violín y piano en sol mayor  
BÉLA BARTÓK
Rapsodia Nº 2, Sz. 89 y 90, BB 96
LARA ST. JOHN / MATT HERKOWITZ
Improvisación de una pieza peruana
GEORGE GERSHWIN
(arreglos de Matt Herskowitz)
But not for me
I got rhythm
GEORGE BIZET
(arreglo de Franz Waxman)
Fantasía de "Carmen"

09 mayo 2018

Sinfónica Juvenil e Impresionismo Musical

Concierto “Impresionismo Musical” con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario
(Difusión) El jueves 17 de mayo, a las 8:00 de la noche, en el Gran Teatro Nacional.
Música de Ravel, Debussy, Fauré y el compositor peruano Alfonso de Silva
El Ministerio de Cultura presentará el jueves 17 de mayo, a las 8:00 de la noche en el Gran Teatro Nacional, el concierto de gala “Impresionismo Musical”, a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil Bicentenario, dirigida por el maestro Pablo Sabat, y los destacados solistas Caroline Morales (soprano), Christy Tamarelli, Eve Martin (arpas), Luis Melgar (clarinete), Sini Rueda (flauta), Edgar Querales, Keiber Utrera (violines), Jesús Mujica (viola) e Iván Pierantozzi (cello).
Emblemáticas obras compuestas por los franceses Claude Debussy (Danza sagrada y Danza profana), Maurice Ravel (Pavana para una infanta difunta, Rapsodia española, La Valse) y Gabriel Fauré (Cinco melodías de Venecia), así como piezas icónicas del pianista y violinista peruano Alfonso de Silva Santisteban están incluidas en el repertorio que disfrutarán los seguidores del impresionismo musical, tendencia que apareció en Francia y predominó en Europa durante las últimas dos décadas del siglo XIX, influenciada por pintores y poetas de la época.
El impresionismo musical se caracterizó por su escritura no lineal, la experimentación sonora y la libertad absoluta para crear armonías y ritmos, empleando incluso escalas orientales y exóticas. Las formas no poseían una estructura clara, podían ser sinfonías, poemas sinfónicos, oberturas, romanzas, suites, sonatas o preludios. También destaca el uso de instrumentos que imitaban sonidos de fenómenos naturales como las olas del mar, el viento o la lluvia.
“Preludio a la siesta de un fauno”, compuesta por Claude Debussy en 1894, es considerada la primera obra representativa del impresionismo musical, con una escala de tonos enteros e intervalos complejos. El artista solía recrear con cada una de sus piezas un ambiente de sensualidad y fantasía, rompiendo el esquema clásico romántico para acercarse a un mundo de simbolismos. El género se expandió muy rápido destacando Erik Satie, Paul Dukas, Gustave Charpentier y Albert Roussel, aunque el compositor de mayor proyección fue Maurice Ravel, quien marcó la transición a la revolución estilística impuesta a inicios del siglo XX, asociando melodías y ritmos inteligibles con armonías cromáticas.
La música de Ravel y Debussy resulta original e inclasificable de acuerdo a las normas tradicionales. Ni absolutamente modernista ni simplemente impresionista. Ravel (contrario a su contemporáneo Stravinski) no renunció a la música tonal y utilizó con parsimonia la disonancia, hallando nuevas soluciones a los problemas planteados por la armonía o la orquestación y brindando otros rumbos a la escritura pianística.
La obra del músico chalaco Alfonso de Silva corresponde al auge del impresionismo. Sus piezas fueron compuestas de manera autodidacta cuando tenía entre 15 y 21 años. Convertido en un romántico refinado viajó a Europa y aprendió música de Bartók, Stravinsky y Mahler. Entre sus principales piezas tenemos la suite “Instantes” (Éxtasis, Vísperas, Jardines antiguos, Elegía ingenua y Consolación), “Canción amarilla”, “Las gaviotas”, “Yo seré tu tristeza” y “Los tres húsares”.
Las entradas para el concierto cuestan de 15 a 60 soles y están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional. Menores de 18 años, jóvenes del Servicio Militar Voluntario, universitarios, estudiantes de institutos superiores, mayores de 60, jubilados, docentes de instituciones educativas públicas y miembros del CONADIS tienen 50% de descuento.
PROGRAMA
Director: Pablo Sabat Mindreau
Solistas: Caroline Morales, soprano
Christy Tamarelli, arpa
Eve Martin, arpa
Luis Melgar, clarinete
Sini Rueda, flauta
Cuarteto Coplas:
Edgar Querales y Keiber Utrera, violines /
Jesús Mujica, viola / Iván Pierantozzi, cello
I.
Maurice Ravel Pavana para una infanta difunta (1899)
Gabriel Fauré Cinco Melodías de Venecia (1891)
(Poemas de “Fiestas Galantes” de Paul Verlaine)
+ Mandoline
+ En sourdine
Maurice Ravel Introducción y Allegro (1905)
+ para arpa, flauta, clarinete y cuarteto de cuerdas
Maurice Ravel Rapsodia Española (1907-08)
+ Preludio a la noche
+ Malagueña
+ Habanera
+ Feria
II.
Claude Debussy Danza sagrada y Danza profana (1904)
+ para arpa y cuerdas
Maurice Ravel Cuarteto de cuerdas en fa mayor (1903)
+ Allegro moderato. Muy dulce
Alfonso de Silva Suite Instantes (1921)
+ Éxtasis
+ Jardines antiguos
+ Elegía ingenua
+ Vísperas
+ Consolación
Maurice Ravel La Valse (1919 - 1920)
+ poema coreográfico para orquesta

06 mayo 2018

Esplendor desde Rusia




La Orquesta Estatal de Moscú "Evgeny Svetlanov" nos trajo un brillante programa y se ubicó como uno de los grandes eventos del año. (Fotos: SFL)
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
⭐️⭐️⭐️⭐️
La Sociedad Filarmónica de Lima inició su Ciclo Sinfónico este 2018 con la presentación de la Orquesta Sinfónica Estatal "Evgeny Svetlanov" de Rusia, uno de los tantos elencos de la capital de uno de los países con la mayor tradición musical del mundo. Ellos llegaron en gira por Sudamérica, dirigidos por su titular, el noruego Terje Mikkelsen y con la grata presencia de un virtuoso pianista, el ruso Philipp Kopachevsky, quien ha grabado varios discos y sus interpretaciones son admiradas por crítica y público. A los 28 años, a logrado una técnica excepcional.

El programa incluyó tres obras del repertorio universal: Primero una selección de las suites 1 y 2 de "Peer Gynt" de Edvard Grieg. Por supuesto las mas conocidas (La mañana, Danza de Anitra, Retorno de Peer Gynt, Canción de Solveig y En el vestíbulo del Rey de las montañas). El director noruego, con dirección elegante, condujo al bloque orquestal del centenar de músicos por los diversos estilos, volúmenes e intenciones de cada sección,  y percibimos la capacidad, color y fuerza del conjunto. Muy precisos y elegantes ritardando, que le daban mayor efecto a las piezas.

Llegó el turno del solista Kopachevsky y del famoso Concierto para piano y orquesta No. 1 Op. 23 de Tchaikovsky. Este concierto es tan ejecutado, y en manos de unos rusos no hubiera sido nada extraño que salga bien, y listo. Pero lo que hizo Kopachevsky en el teclado fue digno de atención. Primero que nada, los músicos rusos tienen ese mérito de respetar las partituras e interpretar lo mas fiel al original, cosa que ya no es tan común en orquesta y directores occidentales. Los últimos prefieren acelerar las cosas, lograr efectos mucho mas dinámicos y muchas veces quitarles el peso y contundencia a ciertas obras por lograr un efecto mucho mas impactante y "vendedor". Esto, si bien se aprecia cuando está bien dirigido y ejecutado, muchas veces nos aleja de aquella tradición de los intérpretes de antaño. Los rusos no buscan el efecto fácil, mas bien respetan su tradición. Esto se puede decir de esta orquesta y el pianista, quien es conocido por ser fiel ejecutante de las indicaciones del compositor. Durante los tres movimientos del concierto, logró muchos acentos, cambios de tiempo y claridad en las melodías. Especialmente en el tránsito del Allegro con spirito al Andantino, que usualmente termina el primero con fuerza efectista, en este caso, se hizo un proceso de transición que resultó novedoso y fuera de la rutina habitual.

Escuchar tocar el piano a este pianista de 28 años fue como escuchar a los grandes, y no necesitamos que esté en las portadas de las webs de las grandes casas discográficas cuando lo que fluye del piano fue magia. Definitivamente uno de los grandes solistas que hemos escuchado últimamente. Una pena que no se le haya dado mas relevancia en el anuncio.
La impresión fue tal, que el solista recibió ovaciones de pie, las cuales agradeció con un bis, la Danza Húngara no. 6 de Johannes Brahms, con juegos de tiempo y mucha virtuosidad.
La segunda parte fue dedicada a la célebre Quinta Sinfonía de Dmitri Shostakovich. La génesis de cómo el compositor creó esta obra no tienen mucho que ver con el efecto que causa. La armonía y orquestación son de tal nivel que escucharla por primera vez le cambia el mundo a cualquiera. Fue lo que me pasó hace 20 años.
En la interpretación de la orquesta volvieron a brillar las cuerdas, y vientos, aunque no del todo los metales. La interpretación de cada movimiento fue perfecto y seguramente produjo el mismo efecto en quienes la escucharon por primera vez que en mi. Para destacar está el Largo, pieza digna de las mas grandes jamás escritas, y  el brillante Allegro non Troppo.
De regalo, la orquesta fue generosa y ofreció el célebre Romance de la Suite de "The Gadfly", también de Shostakovich. Esta pieza es tomada por los grandes violinistas como pieza de concierto. El Concertino Sergei Girshenko dió una sentida interpretación. 
Como cereza final, El Vals de la Suite "Masquerade" de Aram Khachaturian llevó esta presentación al sitial de lo que será seguramente una de las mas importantes y destacadas del año.

03 mayo 2018

Virtuoso Michael Barenboim en recital

CAMI
La Sociedad Filarmónica presenta a uno de sus grandes artistas de esta temporada, el martes 8 de mayo a las 7:45 pm. en el Auditorio Santa Úrsula.
(Difusión) Comprometido con el repertorio clásico y romántico, Michael Barenboim es especialmente reconocido por sus interpretaciones del repertorio para violín del siglo XX y periodo contemporáneo. Ha tenido el privilegio de mantener una larga colaboración con el compositor y director Pierre Boulez, cuyas obras interpreta habitualmente en recital y con el Boulez Ensemble. Recientemente ha grabado los Anthèmes I & II para el sello Accentus Music. Su segunda grabación en solitario reúne obras de Sciarrino, Tartini, Berio y Paganini, y acaba de ser lanzada en enero de 2018.
Barenboim debuta esta temporada con la Filarmónica de Berlín, tocando el Concierto para violín de Schönberg, dirigido por Vasily Petrenko. Entre los compromisos recientes con este particular concierto destacan los de la Filarmónica de Viena con Daniel Barenboim, Chicago Symphony con Asher Fisch y la Filarmónica de Israel con Zubin Mehta. La presente temporada también incluye su presencia en el Enescu Festival con Philharmonia Orchestra bajo la dirección de Vladimir Ashkenazy, y apariciones con la BBC Philharmonic y Moritz Gnann, Den Norske Opera Orchestra y Domingo Hindoyan, Kölner Kammerorchester y Christoph Poppen, Freiburg Philharmonic y Fabrice Bollon, el tour con la Orchestra Giovanile Italiana, la interpretación de los conciertos de Mozart con la Korean Chamber Orchestra en el Seoul Arts Center, y recitales en la Elbphilharmonie de Hamburgo, Teatro San Carlo de Nápoles, Teatro Comunale di Bologna, y el Kumho Art Hall en Seúl.
Michael Barenboim también se ha presentado con BBC Philharmonic, Philharmonia Orchestra, Orchestre Philharmonique du Luxembourg, Shanghai Symphony, Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, Munich Philharmonic, Bavarian Radio Symphony, Academia Santa Cecilia, Filarmonica della Scala, Tonhalle-Orchester, Academy of St. Martin in the Fields, Orquesta Nacional de España y Boulez Ensemble, entre otras.
© MARCUS HÖHN
La música de cámara es también muy importante para Michael Barenboim. Es fundador del Erlenbusch Quartet y es frecuentemente invitado a importantes festivales. Colabora regularmente con su madre, la pianista Elena Bashkirova, así como con artistas de la talla de Franz Helmerson, Julian Steckel, Guy Braunstein, Andras Schiff y  Martha Argerich, entre otros. Esta temporada aparecerá con el chelista Kian Soltani y Daniel Barenboim en una serie de conciertos en la Boulez Saal en Berlín.
Paralelamente a su carrera como solista, Barenboim es concertino de la West-Eastern Divan Orchestra y desarrolla continuamente actividades educativas. Es Jefe del Departamento de Música de Cámara en la recientemente inaugurada Barenboim-Said Academy y da clases maestras por todo el mundo.
Entradas a la venta en Teleticket.
Martes 8: III Concierto Temporada de Abono. Michael Barenboim, violín (Francia)
Programa: G. Tartini: Sonata en sol menor “Trino del diablo”. S. Sciarrino: Sei Capricci per violino. N. Paganini: Capriccio para violín op. 1 Nº 1, 6, 17, 16, 9, 24. L. Berio: Sequenza VIII para violín solo.


02 mayo 2018

Anna Netrebko y Yusif Eyvazov en Lima

La más grande soprano del mundo y la nueva voz de la ópera por primera vez en Lima en el evento lírico del año. (Foto: Shirakov)

(Difusión) Anna Netrebko y Yusif Eyvazov llegan a Lima por primera vez para ofrecer lo que será el evento cultural del año en nuestro país. La pareja es la más cotizada en el mundo y ofrecerán una inolvidable velada lírica el 9 de Agosto en el Gran Teatro Nacional, dentro de la temporada 2018 de la Asociación Cultural Teresa Quesada.


Lima se prepara este 2018 para recibir a la estrella más grande de la lírica internacional, quien junto al nuevo gran tenor de la ópera de hoy, darán un inolvidable concierto con orquesta en el mejor momento de sus carreras, en el Gran Teatro Nacional. Interpretarán arias y dúos de su repertorio más representativo en lo que será el evento del año en nuestro país, que llega dentro de la Temporada 2018 de la Asociación Cultural Teresa Quesada.
Hablar de la soprano rusa Anna Netrebko es nombrar a la Prima Donna del siglo XXI. Netrebko ha redefinido lo que significa ser una estrella de la ópera y se ha convertido en la soprano más aclamada del mundo. En presentaciones en vivo y grabaciones galardonadas, sus interpretaciones de las heroínas más emblemáticas de la ópera ya han dejado una huella indeleble. Ahora, mientras se aventura en un repertorio más audaz y dramático, continúa alcanzando nuevas alturas. Desde cantar en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014 hasta convertirse en la primera artista de música clásica incluída en la lista de la revista TIME de las 100 personas más influyentes del mundo, Netrebko es hoy la principal embajadora mundial de la ópera y es ampliamente reconocida como una de las más comprometidas artistas de cualquier género fuera del escenario. Además tiene una conexión muy cercana con el público a través de las redes sociales, con quien comparte su contagiosa alegría de vivir, junto con su amor por la familia, la moda y la comida, inspirando a la gente a celebrar lo que los hace únicos. Afirmando su posición como uno de los tesoros nacionales de Rusia, fue elegida para cantar el himno olímpico en vivo en la ceremonia de apertura televisada internacionalmente de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2014 en Sochi y hará lo mismo en la apertura del mundial de fútbol Rusia 2018.
En los últimos años, Yusif Eyvazov debutó en los mas importantes teatros de ópera del mundo. Canio en “I Pagliacci” dirigida por Plácido Domingo, Calaf en “Turandot” en la Metropolitan Opera y la Wiener Staatsoper, y debuta en la Ópera de París y en el Staatsoper de Berlin como Manrico en “Il Trovatore”. Su debut en el Festival de Salzburgo tuvo lugar en el verano de 2016, como Des Grieux en “Manon Lescaut”. En el escenario del concierto, cantó en Parma bajo la batuta de Marco Boemi con un programa que presenta obras de Verdi y Puccini, en concierto con Riccardo Muti en diciembre, y realizó una gran gira de conciertos en toda Asia junto a Anna Netrebko en la primavera del 2016. El 7 de diciembre del 2017, Yusif abrió con éxito la temporada en el Teatro alla Scala de Milán, uno de los eventos mas importantes y esperados del año en el mundo, y que fue transmitido en vivo por televisión a nivel mundial, interpretando el protagónico de “Andrea Chénier” de Umberto Giordano. Como resultado de la estrecha colaboración con el director musical de la producción, Riccardo Chailly, el debut de Yusif en el escenario de Milán fue nombrado una de sus mejores actuaciones en los últimos años por la crítica.
El 1 de septiembre de 2017, el dúo Netrebko-Eyvazov lanzó un nuevo álbum titulado "Romanza". Este disco consiste en canciones de amor que fueron escritas especialmente para los cantantes por el famoso compositor ruso Igor Krutoy.
Anna Netrebko y Yusif Eyvazov se presentarán en concierto el jueves 9 de agosto a las 8:00 pm. en el Gran Teatro Nacional. Las entradas ya están a la venta en Teleticket de Wong y Metro, desde 28 soles con descuentos para el Club de Suscriptores de El Comercio y el Círculo de Amigos de Radio Filarmonía.
Anna Netrebko y Yusif Eyvazov en concierto
Orquesta Sinfónica, Jader Bignamini, director.
Programa: Arias y duetos de Verdi, Catalani, Puccini, Bizet, Cilea, Léhar y mas.





Joseph-Maurice Weder en recital

El pianista suizo se presentará este jueves 3 de mayo, a las 7:45 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula. Las entradas están a la venta en Teleticket.
Joseph-Maurice Weder ha captado la atención del público y la crítica desde el inicio de su carrera internacional cuando obtuvo el prestigioso premio Swiss Ambassador's Award en Londres y, su debut en el Wigmore Hall de Londres en 2013. Luego se ha presentado en algunas de las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, incluyendo la Berliner Philharmonie, Musikverein Vienna, Laeiszhalle Hamburg, Wigmore Hall London, Tonhalle Zurich y Wiener Konzerthaus. Asimismo, ha realizado giras en Sudamérica y Europa.
Entre los aspectos más destacados de la temporada 2017/2018 incluyen presentaciones con la Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional de Brasília y la Berliner Camerata, y una gira por Sudamérica (Brasil, Argentina, Colombia y Perú).
Como solista, ha actuado con la Südwestdeutsche Philharmonie, Kazakhstan Philharmonic Chamber Orchestra, Sinfonieorchester Basel, Orquestra Sinfônica do Teatro Nacional de Brasília, Chamber Orchestra of the City of Bratislava y Chamber Orchestra of the Bavarian Philharmonic. Como músico de cámara, Joseph-Maurice Weder ha tocado con Mischa Maisky, Gautier Capuçon, Nelson Goerner, Kian Soltani, Marc Bouchkov y los principales miembros de la Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, Gewandhausorchester Leipzig, Rotterdam Philharmonic Orchestra, Danish National Symphony Orchestra y Tonhalle Orchestra Zurich.
Su discografía incluye una aclamada grabación de Chopin Concerti en versión de cámara con la Berliner Camerata para el sello alemán Oehmsclassics. En 2007, lanzó una grabación en vivo del tercer concierto para piano de Beethoven con la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava. The London Recital, grabado en vivo en el Wigmore Hall, incluye sonatas de Schubert y Brahms. Su disco más reciente dedicado a Liszt y Schumann fue lanzado por el sello alemán MDG.
Joseph-Maurice Weder ingresó a la Musikhochschule Basel a la edad de 12 años, bajo la guía del Prof. Adrian Oetiker. Desde 2011 hasta 2015 estudió con el Prof. Filippo Gamba y asistió a clases magistrales con Piotr Anderszewski, Dmitri Alexeev, Homero Francesch, Gérard Wyss y Louis Lortie.
Además de su actividad como concertista, su gran pasión es la enseñanza. En 2017 fue nombrado profesor de piano en el Neue Kantonsschule Aarau. Además, fue convocado como profesor Invitado para dar clases magistrales en la Royal Welsh College of Music & Drama, Universidad EAFIT de Medellín y en el Instituto de Artes da Universidade Estadual Paulista de São Paulo.
Programa
LUDWIG VAN BEETHOVEN: Bagatelas op. 126
BALZ TRÜMPY: Tres piezas de "El laberinto"
LEOŠ JANÁČEK: Sonata para piano 1. X. 1905
JOHANNES BRAHMS: Sonata Nº 3 en fa menor, op. 5.

16 abril 2018

Réquiem de Verdi en versión nacional

Fotos: GTN
Gran Teatro Nacional
"Requiem" de Giuseppe Verdi
Lorena Aranda (soprano), Edda Paredes (Mezzosoprano), Dangelo Díaz (tenor), Humberto Zavalaga (bajo). Coro Nacional. Dirección: Javier Súnico. Orquesta Sinfónica Nacional del Perú. Dirección: Fernando Valcárcel.
Puntuación: 5/10
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
La Orquesta Sinfónica Nacional del Perú (OSN) cerró su temporada de verano en el Gran Teatro Nacional (GTN) en un concierto especial, presentando una de las obras sinfónico corales mas importantes del repertorio romántico, y que no se había escuchado antes en este teatro. El Réquiem, o Misa de Difuntos escrita por Giuseppe Verdi y estrenada en 1874, es una obra de carácter sacro con los componentes del Verdi maduro, y estilo operístico. Salvo algunas obras para coro, canciones y un cuarteto de cuerda, Verdi solo escribió durante su vida para la escena, y se convirtió en una de las grandes figuras de Italia en el siglo XIX, tanto por su éxito en la música como por su participación activa en política, siendo uno de los líderes de su país en lograr la tan ansiada Unificación hace un poco mas de 150 años.
Verdi, conmovido por la muerte del mas grande compositor italiano, Gioacchino Rossini, le propuso a los mas importantes compositores de la época dedicarle un Réquiem, escribiendo cada uno una parte de la obra, de la cual el se reservó el "Libera Me", movimiento final. La obra no prosperó y, aunque se escribió y pueden encontrarse grabaciones de esta obra original, finalmente escribió una obra completa, esta vez conmovido por la muerte de Alessandro Manzoni, el gran poeta italiano de su época. Escribió la obra estrenándola en la iglesia de San Marco, en Milán.
La última vez que Lima lo escuchó fue en el 2011 en el Teatro Municipal, cuando el Festival Granda presentó una extraordinaria versión con el tenor Gregory Kunde, La mezzo Elisabetta Fiorillo, entre otros cantantes. La presentación de este Réquiem, por primera vez en el GTN, contó con un elenco enteramente nacional: Los solistas Lorena Aranda, Edda Paredes, Dangelo Díaz y Humberto Zavalaga, junto al Coro Nacional que dirige Javier Súnico.
La OSN tiene toque para las obras con peso contundente y este Réquiem, por sus características musicales le viene bien. Fernando Valcárcel le dió un buen toque con pianissimos y largos efectivos al inicio del Kyrie. La entrada de las cuerdas era íntima, como de cámara, y las voces casi como susurros pronunciaban aquel "Requiem aeternam". El sonido fue creciendo hasta la entrada de los solistas. Si bien es una oportunidad para que los nacionales puedan probar una obra dramática y referente del repertorio, por momentos resultaron muy ligeras y faltas de volumen en general. El que mas destacó y sorprendió en toda su interpretación fue el tenor Dangelo Díaz, con un volumen adecuado, claridad en la voz, legato, y grata intención. Destacó por supuesto en su "Ingemisco", único número dedicado íntegramente a la cuerda de tenor. 
El "Dies Irae" fue la pieza mejor ejecutada, con una brillantez de la orquesta en una sutil pero precisa dirección de Valcárcel, junto a un Coro que resulta infalible. Fue una pena que los metales complementarios que se colocaron en los palcos superiores, para dar la sensación de espacialidad que requiere este momento, hayan desafinado completamente, destruyendo uno de los momentos mas dramáticos y contundentes de la obra. Lamentable ejecución. Las trompas sobre el escenario hicieron un buen trabajo, sin embargo. El ingreso del bajo en el "Mors stupevit" fue mediocre. Zavalaga hasta que no agarró la partitura en el penúltimo movimiento "Lux aeterna", desafinó toda su parte. Sería preciso cultivar mas voces de bajo que le hagan justicia a estas obras y no tener que arruinarlas simplemente por dar oportunidades.
Edda Paredes como Mezzo tiene grandes capacidades pero no un instrumento grande, especialmente en los graves, en que la orquesta la comía del todo. Sin embargo el timbre es dramático para dar versiones interesantes del "liber scriptus", buen drama en el "lacrimosa" aunque algo de escasa claridad en el fraseo del "Agnus Dei". 
La soprano Lorena Aranda, quien dedica sus primeros años de carrera a trabajar en Europa, volvió después de un buen tiempo ausente de nuestros escenarios para interpretar este Réquiem, el cual le pide una gran exigencia, sobre todo en el "Libera Me Domine", pieza final que cierra la obra y que interpreta con el Coro. Como toda música madura de Verdi, se pide una soprano dramática con voz grande, legato y técnica muy bien desarrollada y un sentido lírico de la interpretación, ya que en si, esta pieza es como una gran escena operística, digna de grandes obras de Verdi como "Don Carlos" o "La forza del Destino". El timbre y técnica interpretativa de Aranda ha mejorado, sin embargo el peso aún no lo da del todo. Sin embargo, fue salió airosa de esta gran prueba, dando una interpretación personal correcta y sentida. Destaco especialmente los momentos acapela del coro y la soprano, quizá el momento mas complicado, por estar expuestos a la audiencia. 
Siempre es un placer escuchar el Réquiem, especialmente con un Coro Nacional como el que tenemos. Si bien el elenco es mediano, y se requieren voces complementarias para este tipo de obras,  el resultado siempre es fantástico.

13 abril 2018

Premiación a lo mejor de la Ópera

Opera Awards Foundation
(Difusión) Los Sextos Premios Internacionales de Ópera tuvieron lugar en el Coliseo de Londres. Los ganadores de 2018 se anunciaron en la Ceremonia de Gala, organizada por BBC Radio 3 y presentada por Petroc Trelawny.

Con más de cien finalistas de seis continentes y una treintena de países, los ganadores de los Premios Opera - equivalentes a los Oscar de la ópera - fueron seleccionados por un jurado internacional presidido por John Allison, editor de la revista Opera y crítico de música clásica con The Daily Telegraph.

Este año el prestigioso premio a la Trayectoria fue presentado a la mezzosoprano española Teresa Berganza, quien dio su sincero agradecimiento: "Es con gran emoción que recibo este premio de valor incalculable en nombre de una generación entera - los que aún estamos, y los que ya no. Esperamos hayamos cumplido nuestra misión, y vamos dejando el centro de atención para todos ustedes. Muchas, muchas gracias ".

El premio a la Mejor Cantante Femenina fue para la soprano sueca Malin Byström, mientras que el tenor polaco Piotr Beczala fue galardonado con el premio de Mejor Cantante Masculino. El Premio del Público fue para Pretty Yende, ganadora del año pasado por la mejor grabación, que recibió más de 10.000 votos en línea. Otros ganadores incluyen Vladimir Jurowski (director), Mariusz Trelinski (Director de escena), Bayerische Staatsoper (Compañía de Ópera), Festival Verdi de Parma (Mejor Festival), Producción del Teatro real de "Billy Budd" (Nueva Producción), "Hamlet" de Brett Dean en el Glyndebourne Festival Opera (Première Mundial), Opera Holland Park (Educación y Difusión) y Annette Campbell-White (Filantropía).

Celebrando lo mejor del mundo de la ópera internacional, mientras que la recaudación de fondos para la Opera Awards Foundation, la noche reunió a estrellas actuales y emergentes de ópera, con actuaciones en directo de cantantes internacionales Anne Sophie Duprels, Brindley Sherratt, Toby Spence y Camilla Tilling, los finalistas, el cantante joven Gordon Bintner, Wallis Giunta y Anush Hovhannisyan.

BBC Radio 3, qui se ha asociado con los Premios Internacionales de ópera por segundo año consecutivo, volverá a emitir destacados de la ceremonia en un programa especial de 90 minutos el domingo 15 de abril a las 21:15.

Fundado en 2012 por el empresario y filántropo Harry Hyman, los International Opera Awards, es la próxima gran premiación de generación de talentos. Los premios recaudan dinero para la Opera Awards Foundation, una organización benéfica que ofrece becas para aspirantes a talento operístico de todo el mundo.

Todas las categorías, excepto el Premio del Público (el único voto abierto al público en general), son decididas por el jurado de miembros de la industria internacional. Los patrocinadores de este año incluyen el Good Governance Institute, The Vineyard, The Royal Opera House Muscat y Charles Heidsieck Champagne. Los premios son apoyados por Nexus Group.
GANADORES 2018

CORO
MusicAeterna

DIRECTOR
Vladimir Jurowski

DISEÑADOR
Paul Steinberg

DIRECTOR DE ESCENA
Mariusz Treliński

EDUCACIÓN Y ALCANCE
Parque Opera Holland

CANTANTE FEMENINA
Malin Byström

FESTIVAL
Festival Verdi Parma

LIDERAZGO EN OPERA
Bernd Loebe

LOGRO DE POR VIDA
Teresa Berganza

CANTANTE MASCULINO
Piotr Beczała

NUEVA PRODUCCIÓN
Britten: Billy Budd, d. Deborah Warner (Teatro Real, Madrid)

NUEVA FIGURA
Barbora Horáková Joly (Director)

COMPAÑÍA DE OPERA
Bayerische Staatsoper

ORQUESTA DE ÓPERA
Teatro alla Scala, Milán

FILANTROPÍA
Annette Campbell-White

PREMIO DEL PÚBLICO
Pretty Yende

GRABACIÓN (OPERA COMPLETA)
Berlioz: Los troyanos (Erato)

GRABACIÓN (RECITAL SOLISTA)
Gente Veronique: Visiones (Alfa)

TRABAJO REDESCUBIERTO
Krenek: Drei Opern (Oper Frankfurt)

ESTRENO MUNDIAL
Brett Dean: Hamlet (Glyndebourne)

JOVEN CANTANTE
Wallis Giunta

12 abril 2018

Orquesta Estatal Rusa en Ciclo Sinfónico de la SFL

Foto: Vera Zhuravleva
La prestigiosa Orquesta Sinfónica Estatal Rusa "Evgeny Svetlanov" inaugura el Ciclo Sinfónico 2018 de la Sociedad Filarmónica de Lima, el sábado 21 de abril a las 8:00 pm. en el Gran Teatro Nacional. La famosa agrupación con alrededor de 100 músicos en escena se presenta bajo la conducción de Terje Mikkelsen y el pianista Philip Kopachevsky.
La Orquesta Sinfónica Estatal Rusa "Evgeny Svetlanov", (conocida en el pasado como la Orquesta Estatal de la Unión Soviética) es uno de los conjuntos sinfónicos más antiguos de Rusia y el orgullo de su cultura y tradición musical. El debut de la Orquesta Estatal tuvo lugar hace más de 81 años en el Gran Salón del Conservatorio de Moscú bajo la dirección de Alexander Gauk y E. Kleiber.
Desde sus inicios ha sido liderada por grandes músicos, como su fundador Alexander Gaunk, Natan Rakhlin, Konstantin Ivanov y Evgeny Svetlanov. Bajo el liderazgo de Svetlanov, la orquesta se convirtió en una de las mejores del mundo, y su repertorio ha crecido hasta abarcar prácticamente toda la música sinfónica rusa, muchos clásicos occidentales y obras de compositores contemporáneos. En el 2005, el nombre de E. F. Svetlanov se convirtió en parte del nombre oficial de la orquesta. Del 2000 a 2002, la orquesta fue dirigida por Vassily Sinaisky, y desde el 2002 hasta el 2011, por Mark Gorenstein. En octubre del 2011 el renombrado maestro internacional Vladimir Jurowski asumió el cargo de Director Artístico de la orquesta.
La orquesta se ha presentado en prestigiosas salas como el Gran Hall del Conservatorio de Moscú, Tchaikovsky Concert Hall, State Kremlin Palace en Moscú, Carnegie Hall y Avery Fisher Hall (Nueva York), Kennedy Center (Washington, DC), Musikverein de Viena,  Royal Albert Albert Hall de Londres, Salle Pleyel de París, Teatro Colón de Buenos Aires y el Suntory Hall de Tokio. En el 2013 tocó por primera vez en la Plaza Roja de Moscú.
Entre los maestros que la han dirigido se cuentan figuras como H. Abendroth, N. Golovanov, A. Jansons, O. Klemperer, K. Kondrashin, L. Maazel, E. Mravinsky, R. Rostropovich, I. Stravinsky, Y. Temirkanov y A. Vedernikov, por nombrar algunos.
Entre los extraordinarios solistas que han tocado con la orquesta figuran los cantantes Arkhipova, Obraztsova, Caballé, Domingo, Hvorostovsky, y Kaufmann; los pianistas Van Cliburn, Gilels, Neuhaus, Yudina, Afanassiev, Berezovsky, Kissin, Lugansky, Matsuev y Sokolov; los violinistas Kogan, Menuhin, Oistrakh, Pikayzen, Repin, Spivakov, Tretyakov, y Vengerov; el violista Bashmet; los cellistas Rostropovich, Gutman, Kniazev y Rudin.
Recientemente la lista se ha extendido para agregar a los cantantes Meier, Netrebko, Gerzmava, Pendatchanska, Abdrazakov, Korchak, Ladiuk, y Pape; a los pianistas Andsnes, A. Volodin, Thibaudet, Uchida y Buchbinder; a los violinistas Kavakos, Kopachinskaja, Krylov, Rachlin, Fischer, Hope y Znaider.
Su profusa discografía incluye cientos de grabaciones para sellos rusos y extranjeros como Melodiya, Emi Classics, BMG, Naxos, Chandos y Deutsche Grammophon,  entre otros. La biografía creativa de la Orquesta Estatal de Rusia es una sucesión de logros en todo el mundo que han asegurado legítimamente un lugar importante en la historia de la cultura mundial.

El director Terje Mikkelsen es graduado de la Academia Musical Estatal de Noruega y luego recibió su diploma en dirección orquestal de la Academia Sibelius de Helsinki donde su maestro fue el famoso profesor Jorma Panula. En 1985 estudió y comenzó una intensa colaboración con Mariss Jansons en Oslo y San Petersburgo. Luego Mikkelsen se embarcó en su propio viaje musical dirigiendo orquestas en Europa del Este y Central, Japón, China y Tailandia. Ha sido Director Principal y Musical de la Sinfónica Estatal de Ucrania, Director Invitado Principal de la Sinfónica Estatal de Lituania y luego, en forma consecutiva, Director Musical y Principal de la Sinfónica Nacional de Latvia, Director Musical de la Thüringer Philharmonie, Director Principal de la Sinfónica de Shanghai y Director Principal Invitado de la Orquesta SInfónica de la Radio Tchaikovsky de Moscú.
Durante su colaboración con la Sinfónica Nacional de Latvia dirigió más de 70 conciertos en Estonia, Lituania, Suecia, Noruega, Alemania, Países Bajos, España, Tailandia y Japón. Solamente con esta orquesta produjo más de 25 discos.
Mikkelsen también dirige con frecuencia a la Filarmónica de San Petersburgo y  Sinfónica Tchaikovsky. Se ha presentado en la mayoría de las salas más importantes de Europa incluyendo la Berliner Philharmonie, Concertgebouw de Amsterdam, Gran Salón del Conservatorio de Moscú, Philharmonie de San Petersburgo, Alte Oper (Frankfurt am Main), Philharmonie de Köln y Barbican Concert Hall, entre otros.
En mayo del 2015 dirigió la Novena Sinfonía de Beethoven con la Sinfónica de Vietman en Hanoi, que marcó el 40 aniversario del fin de la Freedom War. Y en julio de ese mismo año dirigió a la BBC Concert Orchestra en el concierto "Three Fates Project" en el Barbican Concert Hall de Londres, con la leyenda del rock Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer).
Cuenta con una extensa discografía con algunas de las orquestas nombradas además de la Munich Radio Orchestra, Norwegian Radio Orchestra y Academy of St. Martin in the Fields, Philharmonia Orchestra, por mencionar algunas. En noviembre de 2017, Mikkelsen grabó un segundo álbum con la Academy of St. Martin in the Fields en los estudios Abbey Road con música inédita de Keith Emerson.
Philipp Kopachevsky, Piano.- Solista de la Moscow State Academic Philharmonic y ganador de importantes concursos internacionales, el joven pianista Philipp Kopachevsky se ha ganado la admiración de la audiencia a nivel mundial. Kopachevsky nació en Moscú en 1990. Se graduó de la Escuela de Música del Conservatorio Tchaikovsky del Estado de Moscú. Actualmente es alumno de la clase del Profesor Sergei Dorensky en dicho Conservatorio. Ha ganado prestigiosos concursos internacionales, entre ellos el X International Franz Schubert Piano Competition en Alemania y el International Piano Competition in Enschede (Países Bajos).
Ha tocado con importantes orquestas, entre ellas la English Chamber Orchestra, Academic Symphony Orchestra de Filarmónica de Moscú, Symphony Orchestra of the Kolobov Novaya Opera Theatre en Moscú, Tchaikovsky Symphony Orchestra, Russian National Orchestra, National Philharmonic Orchestra de Rusia, Moscow State Academic Symphony Orchestra dirigida por Pavel Kogan. Ha colaborado con ilustres directores de orquesta como Mstislav Rostropovich, Vladimir Spivakov, Mikhail Pletnev, Yevgeny Kolobov, Yuri Simonov, Alexander Dmitriev, Andrew Gourlay, William Noll, Bjarte Engeset, Charles Olivieri-Munroe, Yevgeny Bushkov, Maxim Vengerov, Paul Watkins, Jan Latham-Koenig, Dorian Wilson y Dmitry Liss, Stanislav Kochanovsky, Daniel Smith, Young Chil Lee y Jan Latham Koenig, entre otros.
Philipp Kopachevsky se ha presentado en numerosos festivales internacionales como el Andrei Sakharov Festival (Nizhny Novgorod), el Steinway Festival, el Colmar International Festival (Francia), el Mstislav Rostropovich Memorial Festival (Baku), el Baltic Seasons Festival (Kaliningrad), entre muchos otros.
En Japón goza de especial popularidad luego de grabar un disco de música para piano de Chopin para la cadena NHK TV. En el 2011, participó en el estreno mundial del ballet Without, del famoso coreógrafo Benjamin Millepied, en el Mariinsky Theatre. Actualmente es parte del proyecto Estrellas del Siglo XXI de la Moscow State Academic Philharmonic.
 Las  entradas ya están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.

Programa:
EDVARD GRIEG
Selección de las Suites 1 y 2 de "Peer Gynt"
PIOTR ILICH TCHAIKOVSKY
Concierto para piano y orquesta Nº 1 en si bemol menor op. 23
DMITRIV SHOSTAKOVICH
Sinfonía Nº 5 en re menor, op. 47

10 abril 2018

Sociedad Filarmónica de Lima inicia temporada 2018

La SINFONIA TORONTO de Canadá, dirigida por NURHAN ARMAN y con el clarinetista  Julian Milkis como solista, tendrá a su cargo el primer concierto de la  Temporada de Abono 2018, el martes 17 de abril a las 7.45 pm. en el Auditorio Santa Úrsula. Las entradas están a la venta en Teleticket.
(Difusión SFL) La Sinfonía Toronto es una de las mejores orquestas de cámara de Canadá. La orquesta realiza sus ciclos de conciertos en dos de las principales salas de Toronto: Glenn Gould Studio - donde muchos de sus conciertos han sido grabados para su difusión nacional - y el George Weston Recital Hall en el Toronto Centre for the Arts. La agrupación se compone de trece virtuosas cuerdas. Tocan de pie, en la tradición de los grandes grupos de cámara europeos, mezclando la energía y la pasión de sus solistas en un estilo brillante bajo la dirección inspirada de Nurhan Arman.
El repertorio de la orquesta incluye todas las grandes composiciones para orquesta de cuerdas desde el barroco, incorporando luego las obras clásicas, románticas y siglo XX. Sinfonía Toronto ha estrenado muchas obras nuevas, y ha sido reconocida por el Consejo Canadiense por su compromiso con la presentación de música de compositores canadienses. Actualmente es orquesta residente en Colours of Music Festival de Barrie, y se presenta regularmente en muchas otras ciudades de Ontario. La temporada pasada hizo su debut en el Montreal's Place des Arts, en Québec.
Su disco de la música de Mendelssohn, Khachaturian y Shostakovich se transmite con frecuencia en las estaciones de radio clásicas de Canadá. El estreno mundial del aria redescubierta de Bach Alles Mit Gott fue grabada por el sello canadiense Analekta y lanzada en iTunes. Su disco Flanders Fields Reflections con música del compositor canadiense John Burge, ganó el Premio JUNO 2009 por Mejor Grabación de una nueva obra clásica.
El clarinetista Julian Milkis es en la actualidad uno de los artistas más emocionantes y versátiles de la escena musical mundial. Alumno del ícono del clarinete Benny Goodman, Milkis estudió en la Escuela Juilliard y se ha ganado una reputación internacional como solista, músico de cámara, recitalista y clarinetista de jazz. Uno de los principales clarinetistas de la actualidad, y el único alumno del icono del clarinete Benny Goodman, el artista entrenado en Juilliard Julian Milkis, se ha ganado una reputación internacional como solista, músico de cámara, recitalista y clarinetista de jazz. Se ha presentado en los escenarios más importantes de todos los continentes, incluyendo el Lejano Oriente, Europa y América, actuando en prestigiosas salas como el Carnegie Hall y el Lincoln Center de Nueva York, Salle Pleyel de París, el Gran Salón del Conservatorio de Moscú y la Filarmónica de San Petersburgo, entre otros.
Ha tocado como solista junto a la Toronto Symphony, State Symphony Orchestra of Russia, St. Petersburg Philharmonic, Moscow State Symphony Orchestra, L’Orchestre Nationale de Lyon, por mencionar algunas; y ha actuado bajo la batuta de directores tan distinguidos como Gennady Rozhdestvensky, Uri Meyer, Eric Bergel, Alexander Chernushenko y Alexander Rudin, entre otros. Milkis es también un solicitado músico de cámara y ha colaborado con artistas de la talla de  Yuri Bashmet, Gerard Causse, Alexander Kniazev, Misha Maisky y Alexander Rudin. Músico multifacético, Milkis es una de las principales voces para su instrumento en el campo del jazz. Su preciada colaboración con el pianista de jazz Dick Hyman (antiguo compañero de banda de Benny Goodman, y quien ha transcrito varios clásicos para Milkis) proporciona una visión rara y genuina de la era dorada del Jazz. Dedicado a promover la música contemporánea y ampliar el repertorio de su instrumento, Milkis cuenta con numerosas obras escritas para él, incluyendo conciertos de O. Moravetz, O. Petrova, B. Tichtchenko, M. Weinberg, D. Hyman y otros. También ha trabajado estrechamente con compositores mundialmente famosos, como Giya Kancheli y Olivier Messiaen.
NURHAN ARMAN, De padres armenios, Arman ofreció su primer recital de violín a la edad de 13 años. Luego de llegar a los Estados Unidos con una beca de la Fundación Disney, realizó conciertos de costa a costa, presentándose en las principales ciudades de EE.UU. y en prestigiosos festivales de música en Tanglewood, Spoleto, Nueva York y Florida. Después de varias temporadas como concertino en orquestas estadounidenses, inició su carrera como director de orquesta, que lo ha llevado por todo el mundo.
Se ha desempeñado como Director musical de la North Bay Symphony y Northern Music Festival, Director Musical de Symphony New Brunswick y director principal invitado de la Sinfonía de Ereván en Armenia. En 1998 Arman fundó la Sinfonía Toronto, considerada una de las mejores orquestas de cámara de Canadá. Ha sido profesor de dirección en el Brockport Festival de Nueva York, en el Festival de Florida, en el Northern Music Festival y en el Royal Conservatory of Music de Canadá. Durante su extensa trayectoria musical, ha dirigido importantes orquestas como Moscow Philharmonic, Belgrade Philharmonic, State Hermitage Orchestra St. Petersburg Camerata, Chamber Orchestra Leopoldinum of Wroclaw Philharmonic, Deutsches Kammerorchester Frankfurt, Orchestra Sinfonica di Sanremo, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica Giacchino Rossini, Lithuanian Philharmonic, l'Orchestre Regional d'Ile de France, Bohemian Festival Orchestra, Filarmonica Moldova, Orchestra Sinfonica di Milano, Grand Orchestre de l'Harmonie (Bélgica), entre muchas otras.

07 abril 2018

Tosca cumple expectativas en el Festival Granda

Fotos: Ópera Perú

Tosca, ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Gran Teatro Nacional de Lima.
Tosca: Viktoria Yastrebova; Cavaradossi: Ivan Magrì; Scarpia: Carlo Cigni; Angelotti: Humberto Zavalaga; Sacristán: Xavier Fernández; Spoletta: Juan Pablo Marcos; Sciarrone: Royer Durand; Niño pastor: Gabriel Laines. Director de orquesta: Christopher Franklin; Dirección de escena, escenografía y vestuario: Lev Pugliese; Coro Nacional del Perú, Director: Javier Súnico; Coro Nacional de Niños del Perú, Directora: Mónica Canales; Orquesta Academia Sinfonía por el Perú, Director titular: Hugo Carrió.
Calificación: ⭐️⭐️⭐️
Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)
Alguna vez, conversando con el famoso crítico de El País, Juan Vela Del Campo, me comentaba: "Hoy quiero criticar lo que me llama la atención. Ya no puedo poner mas adjetivos a La traviata...". Pues bien, si el lleva varias décadas mas que yo escribiendo y comentando espectáculos, algo similar me pasa, especialmente con Puccini. Y es que su música y obras son tan frecuentemente representadas y a veces con tan poco de novedad, que a uno ya se le hace pesado ver mas Toscas, Butterfly o Bohèmes, y es que Puccini de alguna manera quedó en el gusto popular del siglo pasado, y lamentablemente debe ser omnipresente si las casas de ópera quieren subsistir con buena cantidad de público. Y es que Puccini es eso, espectáculos de gusto para las masas y los turistas.
Algo similar propone el Festival Internacional de Ópera "Alejandro Granda", quien durante 10 años ha ofrecido en Lima títulos diferentes y hasta estrenos en nuestro país, y con elencos de primeros teatros mundiales. Pero esa falta de apoyo y desinterés de nuestro público por la cultura, tanto en auspicios como en venta de tickets, los obliga a buscar títulos efectivos para subsistir y de alguna manera obtener taquilla. Sin eso, el Festival debería cerrar, pues sería inmanejable.
Por eso vimos esta "Tosca" con algo de incredulidad, pues es complicado que una obra tan bien descrita por Puccini en su partitura pueda traernos alguna novedad, mas allá de las voces que la interpretan.
De esta producción podemos destacar el debut en el rol del tenor italiano Iván Magrì, quien ya ha cantado otros roles en nuestro país en años anteriores. Esta sería la primera vez que lo veamos en un rol verista. La "italianità" del tenor es siempre evidente en sus interpretaciones, con un hermoso timbre, gran pasaje y agudos extraordinarios. Magrì presenta a un Cavaradossi joven en aspecto y timbre, entregado y con una interpretación elegante. El rol pide graves y agudos poderosos, en los que Magrì no tiene problema. esta fue su noche.

La soprano rusa Viktoria Yastrebová, quien es protagonista frecuente en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, interpretó una Tosca inspirada. Aunque esperé una voz mas grande y dramática, como es común en cantantes rusos, tiene un timbre lírico interesante y su caracterización estuvo acorde a la partitura. Su "Vissi d´arte" del segundo acto fue intenso, abriendo las notas como en un intento por emular a La Callas, la referencia absoluta en este rol.

El barítono italiano Carlo Cigni ofreció un Scarpia de peso. Aunque la voz es grande, es algo seca y no redonda del todo. Sin embargo fue convincente, especialmente en su desarrollo en el segundo acto.
Correcto estuvo el bajo Humberto Zavalaga en el breve rol de Angelotti. Xavier Fernández como el sacristán ofreció buen oficio sobre las tablas y buen volumen de voz. Los otros cantantes, interpretando a Spoletta, Sciarrone dieron de sí, aunque con voces demasiado ligeras.

Destacable estuvo El Coro Nacional y Coro Nacional de Niños, en el Te Deum, con una muralla de voz poderosa y contundente. La Orquesta de la Academia Sinfonía por el Perú ha demostrado ser la mejor para interpretar ópera en nuestro país. El sonido es pastoso, las cuerdas contundentes, los metales afinados y precisos, y el conjunto suena a la perfección. La experiencia comprobada de Christopher Franklin se hizo notar desde el podio, con una dirección clara, balances perfectos y fortes precisos, aunque en el tercer acto faltó ensayo.

"Tosca" es una ópera con escenarios reales precisamente descritos, e indicaciones que Puccini agregó en la partitura, por lo que cambiarla de época o agregarle audacias escénicas cae mal en el público tradicional. Si bien los recursos no daban para construir una escenografía que mostrara la Iglesia Sant'Andrea della Valle, el Palacio Farnese o la terraza del Castillo de Sant´Angelo, lugares que existen y pueden visitarte hoy en Roma, la propuesta del director escénico Lev Pugliese estuvo acertada, proyectando ángulos particulares de estos escenarios, sobre fondo y piso, y con escenografía mínima, con el escenario reducido. Esto da la sensación de sofocación, pero llenando el espacio preciso para enfocarnos en el drama. Fue un acierto original proyectar el cuadro de la Magdalena en el piso y la iluminación cumplió el resto. Mejor efecto tuvo el segundo acto. El tercer acto, si bien la música, e incluso el texto, describe, una noche oscura antes del amanecer, aquí se presenta de día, con el ángel de espaldas y con acentos rosas y amarillos. la silueta del Castillo se refleja en el piso y acompañan dos bancas a los laterales. Algo excéntrico resultó que el Ángel de la vuelta y tenga movimiento interactivo, aunque cumplió con el mensaje que quería dar el director.
El vestuario creado también por Pugliese lució pulcro y con buen acabado. Siempre de época, apoyó a que la obra no luciera vacía, sino cargada en su concepción, esencialmente tradicional. Incluso se respetan las indicaciones de Puccini al final del segundo acto, en que Tosca coloca dos velas y un crucifijo sobre Scarpia, luego de matarlo. Aunque por momentos la dirección no era precisa, y los actores se desplazaban de manera errante, y quitándole peso al texto.

Esta "Tosca" con estilo y fiel al drama le da un toque elegante y puede decirse que supera a otros intentos no muy pulidos de escenificar esa obra en nuestros escenarios. Las voces y orquesta son destacadas y superarán las expectativas de los amantes de los dramas de Puccini.
- "Tosca" tendrá dos presentaciones mas, el domingo 8 a las 18 horas, y el martes 10 a las 20 horas, en el Gran Teatro Nacional. Las entradas se venden en Teleticket. - 
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